Pto de Partida: Lille: Brujas

Pto de Partida: Lille: Brujas: "En las vacaciones de primavera nos vimos motivados a viajar, no sólo por lo apropiado del clima en esta época del año, sino también por la v..."

YA LO ENVÍE ANTES PERO EN VISTA DE LAS QUEJAS LO REPITO!!!! : Así no se puede.

 

 

 

En dias pasados recibi unos comentarios negativos acerca de los correos que normalmente envio.

Algunos correos son chistes e imágenes; a las cuales reconozco que pueden ser ofensivas para unos pero para otros, no; pero siempre pensando que les gustaban a mis destinatarios.

Por lo tanto, de ahora en adelante solo enviaré fotografías de tecnología, monumentos, símbolos culturales y de la naturaleza, que sean educativas para todos, y así mejorar la imagen que tienen de mi.

En este momento quiero compartir con ustedes una fotografía del Pont Neuf (Puente Nuevo), en Toulouse, Francia. ¡Bellísimo! Su construcción comenzó en 1544 y duró hasta 1632. La característica más llamativa del puente son sus pilares, con forma de pico en la base y aperturas entre los arcos, diseñados para soportar las fuertes crecidas del Rio Garona.

Aquí la foto:  Espero les guste la Arquitectura  !
 
 

 
 
¡Coño,vean el puente ! Quiero cambiar; pero con ustedes no se puede!!!

 

 

 

ARTÍCULO PUBLICADO: 27/03/2011 EN EL PERIÓDICO QUINTO DÍA DE MARGARITA

VALENTIN MALAVER y las Piedras

William Ramírez M.

En la vivienda y taller de Valentín Malaver en Guarame, isla de Margarita,
entre los cerros Matasiete y Guayamurí, siempre corre la brisa, y se divisa
el mar al final del valle que empata los dos cerros; y podemos ver hermosas
puestas del sol características de la Isla, así como extraordinarios
amaneceres; y vuelos de aves que inspiran al escultor cuando desbasta las
piedras.
Su casa-taller está habitada por esculturas a las que este creador insufla
vida después de dialogar con los distintas piedras de las que están hechas:
mármoles, granitos, serpentinas… Materiales que hablan, y a los que el
escultor escucha, para poder crear algo mágico: auténticas obras de arte; y,
también residen poemas escritos en las paredes que lo inspiran, porque para
él poesía y escultura están muy unidas: "trabajar la palabra es como pulir
la piedra", nos dice. Mantiene guardada la faceta de poeta, la oculta, y
solo quiénes llegamos hasta su casa podemos enterarnos.
Sus obras no son artesanías, porque su arte no lo hace porque pretenda hacer
arte, sus creaciones son capaces de generar magia, y de provocar preguntas.
Empezó y se ha mantenido con las piedras porque era el material más cercano,
más barato. "Es un material que te pone a prueba siempre y aporta mucha
riqueza a la figura, porque ellas hablan y hay que escucharlas, y me
permiten expresarme".
Piensa pasar a otros materiales clásicos: el bronce, el hierro, la madera…
pero sin dejar la piedra, "El Material con mayúscula". Su proceso ha sido
inverso: en lugar de iniciarse con la madera y materiales blandos, lo hizo
con la piedra. Usualmente, ésta aparece en la vida del escultor cuando él ya
no le tiene miedo: "nos pone en evidencia continuamente, hay que desbastarla
y quitarle lo que sobra, no puede ser de otra manera, hay que enfrentarla
sin miedo, y entrar en ella. No vale acariciarla por fuera, no te permite
vacilaciones. Un error, un mal cálculo, una precipitación en el trabajo te
puede llevar a un error irreversible.
Con ella hay que trabajar con margen, nunca puedes ir al límite de lo que tú
querías, porque te puedes equivocar y en lugar de llegar a la meta de una
sola vez tienes que multiplicar el trabajo varias veces. Para que la piedra
se deje domesticar tienes que ir despacio. Entonces, una vez que entras, la
puedes escuchar y oír pasar el viento a través de sus calados internos".

Abren exposición para recordar a Fucho, un mecenas margariteño

 

 

Abren exposición para recordar a Fucho, un mecenas margariteño

Los curadores de la colectiva “Con la Fe en Nueva Esparta”, aseguran que el exgobernante Rafael Tovar fue una persona que siempre apoyó a los artistas. Este domingo inauguran la muestra en el Museo Narváez.

Yanet Escalona

Jesús Salvador Rodríguez y Oswaldo Gutiérrez, curadores de la exposición “Con la Fe en Nueva Esparta”, asienten cuando Rafael Tovar Mata, hijo de Fucho, recordó que su padre siempre fue un mecenas, en apoyo a creadores y sus manifestaciones artísticas.

Mecenas: una persona que patrocina las letras o las artes, según lo define la Real Academia Española. Visto de ese modo, a Fucho Tovar le dedican este domingo un homenaje póstumo, al inaugurar la exposición con la inclusión de obras de 47 artistas, dentro de una variada gama de texturas, colores, técnicas y estilos.

Según el director del Museo “Francisco Narváez”, Arturo Millán, el catálogo de la exposición tiene la particularidad de servir de registro sobre la trayectoria de los participantes. Destacó, además, que éste incluye un escrito, quizás el último, del recientemente fallecido cronista Ángel Félix Gómez, titulado “Colectiva de Espartaneidad” en donde Felito resume desde que Fucho Tovar nace el 23 de enero de 1928 en Juan Griego, hasta que muere el 11 de enero de 1999.

Dedica líneas a una faceta de Fucho que considera poco conocida, como es la de su mecenazgo con artistas plásticos, escritores y músicos, especialmente los neoespartanos, a través de la Fundación Cultural Conferry. “Fuimos miembros y testigos de su ayuda desinteresada y anónima, si se quiere (...) destaca la publicación de ‘Poesía Completa’ (1981) de su coterráneo Francisco Lárez Granado, el ‘Poeta del Mar’. En ese libro están muchas de las vivencias de Pachito, que fueron también las del Fucho niño y joven”, apunta el cronista, quien será el gran ausente este domingo.

VARIADA GAMA
En la exposición se verá desde el cuadro de un renovado Cruz Acosta que inyecta color, un Golindano en Cubagua, el alto vuelo fotográfico del “Tucán”, la clásica obra del epónimo del Museo, Francisco Narváez, el caminar de El Viejo de Juan García, un mágico Valle de Caracas de Pedro Ángel González, el Caracol de Oswaldo “Docha” Gutiérrez y quien lo quiera “escuchar”, hasta el “Diálogo Primigenio” de Arturo Millán.

 

Himnovaciones... (Ver en secuencia)

 

Extracto de la serie de skechts dedicada a la renovación de... un himno en... un país. De su espectáculo "Bromato de armonio".   Pulsar en secuencia.   http://es.youtube.com/watch?v=iKdbc1fmIwI&mode=related&search=   http://es.youtube.com/watch?v=cJ3F6t0-5LA&mode=related&search=   http://es.youtube.com/watch?v=kD0gAAju1bU&mode=related&search=   http://es.youtube.com/watch?v=xoe7MujAEMU   http://www.youtube.com/watch?v=C7AxOIWS8OA&NR=1

 

 

 

Noticias de Arte

 

 

Abre en Málaga la primera franquicia de la cadena de museos Carmen Thyssen

Carmen Cervera, baronesa viuda de Thyssen-Bornemisza, tiene ya un museo que lleva su nombre en pleno centro histórico de Málaga. El Palacio de Villalón, construido en el siglo XVI, se ha restaurado para albergar 220 cuadros de la colección privada de la baronesa, cedidos durante 15 años “sin coste alguno”. Claro que la ciudad tuvo que invertir en el museo 29,6 millones de euros, casi el doble de lo inicialmente presupuestado, para obtener beneficios del "gran impacto para la economía malagueña" que traerá la nueva institución, según el alcalde. El Ayuntamiento cree que atraerá a unos 200.000 visitantes anuales con esta nueva oferta cultural. La pinacoteca que se inauguró esta semana en Málaga es la primera de "una especie de red de museos" que contarán con “toda la experiencia y apoyo” del Museo Thyssen de Madrid. Así lo explica el director del museo de la capital, de propiedad estatal. Todos los museos de la cadena se beneficiarán del intercambio de exposiciones, ya que la baronesa "tiene una concepción fluida" de lo que son sus colecciones.

Recuperan un Sorolla robado en Valencia La Policía de Valencia ha localizado la pintura de Joaquín Sorolla que fue sustraída del Museo Benlliure aprovechando una distracción de sus vigilantes. La presunta autora del delito fue detenida, aunque luego se la puso en libertad, a la espera de juicio. El registro de seguridad permitió averiguar que el robo se cometió seis días antes de que fuera descubierto. La ladrona, cuya identidad no se ha revelado, descolgó el cuadro, le quitó el marco y se lo llevó oculto entre las ropas. ESTADOS UNIDOS APOYA A EGIPTO FRENTE AL MUSEO DE SAN LUIS. El Fiscal General de los Estados Unidos ha pedido la custodia de la máscara de Ka Nefer Nefer, una pieza del siglo XII antes de Cristo sustraída del Museo de El Cairo hace 40 años. El Gobierno norteamericano considera "cierta" la denuncia de las autoridades egipcias, que atribuyen al "expolio" de su patrimonio la presencia de esta pieza en la colección del museo. La institución pagó por ella 400.000 euros en 1998.

La Justicia condena a un ayuntamiento de España a indemnizar a un escultor después de cambiar el entorno de una de sus obras La escultura fue diseñada para estar en el agua pero una intervención destinada a regenerar la costa hizo retroceder la línea de playa, y ese monumento pasó a estar rodeado de arena. Por tal razón, las autoridades locales deben indemnizar al escultor por el daño moral que padeció y quizá deban trasladar la obra para que recupere su entorno original. Ocurrió en El Campello, a 13 kilómetros de Alicante, donde Arcadi Blasco ideó su monumento como un conjunto de dos piezas. El problema es que el retroceso de la línea de playa desvirtuó el diseño original, lo que ha llevado a la Justicia a condenar al Ayuntamiento a resarcir al escultor por los daños morales infligidos, ya que no cumplió su obligación de conservar la obra en el entorno para el que se había concebido, y que se convirtió en un símbolo de El Campello. Científicos españoles han creado un método para planificar la conservación de obras de Arte realizadas con plástico. Su objetivo es conseguir una evolución mejor de esas piezas, que envejecen y se destruyen rápidamente, lo que ha hecho que se conviertan en la peor pesadilla de los restauradores. En cumplimiento de la L.O. 15/1999 le informamos que los datos personales facilitados por usted están incorporados a un fichero cuyo responsable y titular es RARA AVIS MAC SL, y que puede ejercitar sus derechos de acceso, rectificación, cancelación y oposición mediante el envío de su solicitud por correo ordinario a: RARA AVIS MAC, SL, C/ Reyes Católicos, 7 bis. 45002 Toledo (España). Para enviar el boletín a un amigo                          Para no recibir más boletines

 

Alexandra Kuhn tiene aroma de café mañanero (EL NACIONAL - Miércoles 23 de Marzo de 2011 Escenas/1 )

 

 

EL NACIONAL - Miércoles 23 de Marzo de 2011	Escenas/1

 

Escenas La mirada interior de Alexandra Kuhn tiene aroma de café mañanero La ganadora del V Salón Pirelli de Jóvenes Artistas presenta Ser operativo, una individual en la que ­señala la curadora de la muestra, María Elena Ramos­ prevalece la actitud meditativa de la creadora sobre los objetos   MARJORIE DELGADO AGUIRRE marjodelgado@gmail.com WILLIAM DUMONT Frente a las obras de la individual Ser operativo, expuestas actualmente en la galería Carmen Araujo Arte, Alexandra Kuhn revela algo de lo que después se arrepiente por considerarlo un detalle insignificante. "Yo era una niña muy silenciosa". Quizá en esta "nimiedad" se halle buena parte de la naturaleza de su trabajo artístico. Sus silencios y recogimiento responden a una necesidad natural de profunda contemplación, que se le hace ineludible no sólo para ver las cosas por fuera, sino para ver hacia adentro. Y más adelante, hace otra confidencia: "Casi no salgo de mi casa". Una frase con la que apunta que no es casual que el objeto de su contemplación sea su entorno más inmediato. Como punto de partida para armar su Ser operativo, la artista aferró su mirada en un objeto doméstico: la taza de café que deja su esposo en la mañana. La curadora María Elena Ramos lo deja claro: "Si él toma (bebe) el café cotidiano, ella toma al café como motivo. Y a partir de esta bebida y sus ceremonias el serartista va creando sus maneras: lo decantado, lo manchado, lo sumergido, lo superpuesto, lo desvanecido". Estas maneras se transforman en series como "Borra", "Mancha integrada", "Acercamiento a borra", "Acercamiento a naturaleza muerta" y "Ser operativo". "Más que la naturaleza de los objetos, lo que prevalece aquí es la actitud meditativa de la artista sobre ellos: una apropiación muy suya, un acto perceptual que hace palpable la densidad física de ser y cosas, pero también un acto conceptual capaz de revelar las fuerzas simbólicas y conexiones éticas. Lento proceso en fin hacia un modo muy personal de transfiguración poética", señala la investigadora María Elena Ramos. La artista integra en su mirada atenta ese accidente que queda en el fondo de la taza, a la tinta derramada sobre una servilleta. Kuhn negocia con lo imprevisto y lo convierte. Así, en la individual Ser operativo el error es transfigurado en arte. Lo hace por una convicción: la existencia está definida en gran medida por el error. Ella lo resume en una frase griega: Hen to pan, que significa "todo es uno", y ese todo, además del accidente, es el otro que se integra a su vida y, ahora, a su obra: su esposo, también el ser operativo, el que existe, obra y hace su efecto, escribe en su blog sobre su proceso creativo. Al mismo tiempo, Kuhn admite en su cuerpo de trabajo un ejercicio de traslación de lo íntimo a lo público. No sólo es que saca su casa a la calle, sino que hace un inventario introspectivo. "Para mí el asiento del café es una representación simbólica de eso que queda en uno, en el fondo, para sus adentros", señala la artista. Cada obra es un retrato de una cotidianidad muy propia que se explaya en el detalle y que se desnuda. La artista hace acercamientos conmovedores. "La mirada interior y el detalle a lo grande (lo ampliado), ambos vienen acompañando mi presbicia", apunta en el blog. Al ir al detalle, Kuhn, transforma la materia y ofrece otras lecturas a una simpleza, que pasa inadvertida para el resto de los ojos. En su trabajo reciente, Kuhn, ganadora del V Salón Pirelli de Jóvenes Artistas (2001), salió del pétalo que caracterizó buena parte de su obra anterior. No obstante, se quedó con el apego a lo orgánico, más específicamente a lo orgánico residual. También con el punto de costura, muy propio de su propuesta, aunque esta vez es más bien un punto de sutura, más desgarrador que la sutil puntada de creaciones pretéritas. Al hablar de este aspecto, la artista se detiene en frases sueltas que hilan una constante en su trabajo: la herida, la herida reconstruida, la sutura de la existencia (la sutura, luego del accidente: una forma de ser operativo).

 

Hélène Grimaud

 

 

 

¡Hola! Quiero compartir con vos mi admiración por una pianista francesa excepcional, Hélène Grimaud.

 

 

 

 

En el primer enlace de abajo podrás verla y escucharla tocando la Fantasy in C minor for Piano, Chorus, and Orchestra, Opus 80, compuesta por Ludwig van Beethoven en 1808. (No es quizá tan conocida como otras de sus obras, pero me gusta mucho. El arreglo del piano, combinándose con los coros primero, y luego con la orquesta, es extraordinario. Se nota que Ludwig, el día que la compuso, tenía la recta de cien millas, y la curva y el cambio de velocidad se le movían bastante...)

 

Al final del video, verás a la legendaria cantante francesa de los años sesenta, Francoise Hardy con Hélène, entregándole un premio...

 

http://www.youtube.com/watch?v=B5hcV2zi5uI

 

Y ¿Qué tal si oímos el último movimiento del muy conocido concierto para piano  "El Emperador", No. 5, Opus 73, también de Beethoven?

 

 

http://www.youtube.com/watch?v=QtwWmeXJENc&feature=related

 

Y ahora, la vemos en el video promocional de su disco "Reflection", donde interpreta a sus siempre amados Robert y Clara Schumann, y Brahms. La música que se oye al comienzo de este video, es parte del muy hermoso tercer movimiento del concierto para piano y orquesta, Opus 54, de Schumann, tocado por ella en dicho disco...(y que estoy oyendo en este instante que escribo estas líneas...)

 

http://www.youtube.com/watch?v=3xuwdKhQ_8I&feature=related

 

Y, qué carrizo, ya que estamos celebrando también a Schumann, aquí va el segundo y el tercer movimiento del arriba mencionado Opus 54  (en materia de piano clásico, sin duda alguna, una de mis obras favoritas). Si te gustaron sus interpretaciones de Beethoven, aquí Hélène la saca del estadio con las bases llenas. En el tercer movimiento ("Allegro vivace")  no tiene ni respiro ni descanso...En su rostro se puede ver una muestra de intensidad suprema, al servicio de una interpretación de campeonato...

 

http://www.youtube.com/watch?v=vkwvqg810K0

 

Por supuesto, a la derecha de cada video, tienes otras opciones de interpretaciones de ella, de autores como Bach, Liszt, Rachmaninov, o Chopin...

 

 

 

 

 

 

You Tube: Hélène Grimaud

 

 

 

¡Hola! Quiero compartir con vos mi admiración por una pianista francesa excepcional, Hélène Grimaud.

 

 

 

 

En el primer enlace de abajo podrás verla y escucharla tocando la Fantasy in C minor for Piano, Chorus, and Orchestra, Opus 80, compuesta por Ludwig van Beethoven en 1808. (No es quizá tan conocida como otras de sus obras, pero me gusta mucho. El arreglo del piano, combinándose con los coros primero, y luego con la orquesta, es extraordinario. Se nota que Ludwig, el día que la compuso, tenía la recta de cien millas, y la curva y el cambio de velocidad se le movían bastante...)

 

Al final del video, verás a la legendaria cantante francesa de los años sesenta, Francoise Hardy con Hélène, entregándole un premio...

 

http://www.youtube.com/watch?v=B5hcV2zi5uI

 

Y ¿Qué tal si oímos el último movimiento del muy conocido concierto para piano  "El Emperador", No. 5, Opus 73, también de Beethoven?

 

 

http://www.youtube.com/watch?v=QtwWmeXJENc&feature=related

 

Y ahora, la vemos en el video promocional de su disco "Reflection", donde interpreta a sus siempre amados Robert y Clara Schumann, y Brahms. La música que se oye al comienzo de este video, es parte del muy hermoso tercer movimiento del concierto para piano y orquesta, Opus 54, de Schumann, tocado por ella en dicho disco...(y que estoy oyendo en este instante que escribo estas líneas...)

 

http://www.youtube.com/watch?v=3xuwdKhQ_8I&feature=related

 

Y, qué carrizo, ya que estamos celebrando también a Schumann, aquí va el segundo y el tercer movimiento del arriba mencionado Opus 54  (en materia de piano clásico, sin duda alguna, una de mis obras favoritas). Si te gustaron sus interpretaciones de Beethoven, aquí Hélène la saca del estadio con las bases llenas. En el tercer movimiento ("Allegro vivace")  no tiene ni respiro ni descanso...En su rostro se puede ver una muestra de intensidad suprema, al servicio de una interpretación de campeonato...

 

http://www.youtube.com/watch?v=vkwvqg810K0

 

Por supuesto, a la derecha de cada video, tienes otras opciones de interpretaciones de ella, de autores como Bach, Liszt, Rachmaninov, o Chopin...

 

 

 

 

 

 

DRAWING NOW PARIS l LE SALON DU DESSIN CONTEMPORAIN > MILTON BECERRA > Solo Show.

 

 

 

 

 

LA GALERIE 13 JEANNETTE MARIANI

 présente 2 évènements autour de l'artiste

 

MILTON BECERRA

 

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AU CARROUSEL DU LOUVRE

 

 

 

DRAWING NOW PARIS l LE SALON DU DESSIN CONTEMPORAIN

 

STAND A5 

 

>>> Du 25  au 28 Mars 2011 <<<

Carrousel du Louvre, Paris

 >>> Vernissage presse le Jeudi 24 Mars à partir de 14h <<<

 >>> Vernissage public le Jeudi 24 Mars de 18h30 à 22h <<<

 

MASQUE - Série : Copiar Cortar. Graphite sur papier Canson , pièce unique,80 x 80 cm. 2004 © Milton Becerra -Galerie 13 Jeannette Mariani. Photo : Eva E. Davier
 

 

 

MASQUE ( détail ) - Série : Copiar Cortar. Graphite sur papier Canson, pièce unique, 80 x 80 cm. 2004 
© Milton Becerra - Galerie 13 Jeannette Mariani. Photo : Eva E. Davier

 

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MILTON BECERRA

Per monstra ad astra ¹ 

 

 

« LE MASQUE EST LE CHAOS DEVENU CHAIR.

Il est présent devant moi comme un semblable et ce semblable,

qui me dévisage, a pris en lui la figure de ma propre mort :

par cette présence le chaos n'est plus la nature étrangère à l'homme,

mais l'homme lui-même animant de sa douleur et de sa joie ce qui détruit l'homme (…).»

Georges Bataille

 

 

Ressuscitant avec force les anciennes figures des dieux indiens peuplant les rives de l'Orénoque, au Vénézuela, les dessins de Milton Becerra ne sont pas, à proprement parler, de simples oeuvres d'art. Ou alors, il faudrait dire qu'elles ne le sont qu'à la condition d'être aussi des objets chargés d'une certaine force spirituelle – d'un certain mana. Car, à l'évidence, ce qui intéresse Becerra dans ces représentations de masques, ce n'est pas seulement de mettre en avant leurs qualités plastiques, mais de nous permettre, aussi, de reprendre contact avec cette « pensée sauvage » qui fascina tant Levi-Strauss, et qui, de nos jours encore, semble être en possession d'un secret que nos sociétés occidentales – au bord de la faillite écologique - auraient bien besoin de retrouver.

 

Soucieux de préserver l'intégrité de leur habitat et de vivre en conformité avec les esprits de la forêt – les shapiris - les peuples de la forêt Amazonienne célèbrent aujourd'hui encore, sous l'égide des chamanes, des rites en l'honneur des dieux-esprits. Or, qu'est-ce qu'un Dieu-esprit sinon cet étrange état dans lequel un homme – un initié – se couvrant le visage d'un masque, perd peu à peu son identité pour gagner celle de l'animal auquel il rend hommage. Dans un mouvement de dépossession allant de l'homme à l'animal, puis de l'animal à l'esprit qui est en lui, l'initié sort de sa condition pour reprendre contact avec des forces qui le dépassent et auxquelles il se soumet avec humilité.

 

Le masque n'est donc pas seulement un objet de culte pour celui qui le regarde – ou qui le porte – mais d'abord et avant tout un opérateur de transe : un tremplin capable de propulser l'esprit hors de ses limites tout en le rendant à même d'expérimenter, le temps d'un rituel au moins, son union avec le reste du cosmos. Voilà sans doute la raison pour laquelle les dessins Milton Becerra ne se laissent pas regarder sans susciter, dans l'esprit de celui qui les contemple, un certain effroi. Car du plus profond de leur silence, ils semblent nous inviter à couvrir notre visage de leur formes pour que nous puissions, à notre tour, expérimenter leur mana.

 

 

Frédéric-Charles Baitinger 

 

(1) Par les monstres, jusqu'au étoiles...

 

 

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BIO

 

Milton Becerra est né en 1951 au Vénézuela. Il vit et travaille à Paris.

 

 La proposition conceptuelle de Milton Becerra évolue vers l'expérimentation de nouveaux langages et a été saluée entre autres lors de sa  participation à la XIe Biennale internationale des jeunes artistes au Musée d'Art Moderne à Paris en 1980, La 41ème Biennale de Venise, et à Documenta 8 de Kassel.

 

 En 2008, Milton Becerra a reçu le prix AICA (Association Internationale des Critiques d'Art).

 

Cet ancien élève de Rafael Soto et de Cruz Diez, avec lesquels il travailla entre 1974 et 1980, est probablement l'un des artistes plasticiens vénézuéliens majeurs de la scène artistique contemporaine, mais aussi l'un des plus prolifiques de sa génération.

 

Dans le langage très particulier de sa création, à forte résonance écologique et cosmogonique, l'œuvre de Becerra donne à la nature matière à s'exprimer. Il est connu pour ses installations aériennes où cordages et pierres s'entremêlent pour constituer de larges structures qui, jouant de la pesanteur, mettent en tension la complexité du tressage et l'essence brute des matériaux utilisés.

 

Milton Becerra propose dans ses œuvres un équilibre entre la civilisation contemporaine et les éléments les plus primitifs et ancestraux dans la culture humaine et l'histoire naturelle.

 

Les oeuvres de Milton Becerra sont présentes dans de nombreuses collections publiques et privées en France comme à l'étranger.

 

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A LA GALERIE

MILTON BECERRA

ALE'YA

Design Graphique sur Peaux

 

>>> Exposition du 26 Mars  au 23 Avril 2011 <<<

 >>> Vernissage le Samedi 26 Mars à partir de 14h <<<

ALE'YA, Installation, peaux et fils de coton.

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Milton Becerra vit à l'âge de pierre.
- Texte de Pierre Restany -

Milton BECERRA vit à l'âge de pierre, mais de la pierre cirée plus encore que polie. De la pierre en suspension, prise dans un réseau de fils de chanvre et de cordages tressé qui créent d'étranges chapelets aériens baroques et barbares. L'artiste vit au milieu d'une toile d'araignée dont les sécrétions pétrifiées constituent autant d'astéroïdes-fétiches. Son univers est celui d'un antre clos, une caverne dont la lucarne déboucherait sur une forêt vierge de l'Orénoque.

 

Le Venezuela a amplement projeté à l'extérieur l'image d'un art géométrique-cinétique qui s'accorderait bien avec le brutalisme de sa nouvelle architecture. Le jeu optique des couleurs sur le ciment, telle était l'image de la modernité du pays à l'apogée de l'ère du pétrole, la traduction de sa richesse industrielle sur le plan des arts plastiques. Milton Becerra appartient à une autre génération vénézuélienne, la nouvelle, celle qui a été beaucoup plus sensible aux contradictions qu'à la logique du système socio-culturel et qui doit affronter aujourd'hui le contexte d'une économie en crise.

 

Il représente aussi l'autre face de son pays, muette, cachée, immémoriale, celle qui se détourne des gratte-ciels de Caracas et des derricks de Maracaibo, celle qui exprime la réalité du grand fleuve et de la grande forêt, le prolongement de l'Amazonie. Une présence immense et sourde, oblitérée par la façade moderniste et trépidante de la côte atlantique : l'indien de l'Orénoque a appris à tourner le dos à la mer. C'est dans la clandestinité du silence qu'il perpétue sa légende, soeur de la légende amazonienne. Et c'est dans cet esprit du silence que s'élabore, jour après jour l'oeuvre de Milton Becerra. Une oeuvre mystérieuse et rituelle qui est le reflet d'une immense mémoire en voie de disparition et qui ne veut pas mourir. Une oeuvre hors du temps : l'artiste passe des heures et des heures à frotter ses pierres en les imprégnant de cire fondue, de façon à leur communiquer l'infinie douceur de la patine des anciens âges.

L'homme est fort, trapu, maître de soi. Tout est dans le regard profond, vif, d'une extrême acuité: quand il vous fixe, vous ressentez le sang froid de l'immensité verte qui coule dans les veines de Milton Becerra. C'est le sang originel et authentique de sa terre, celui qui continuera à couler au Venezuela une fois tari le brûlant filon d'or noir.

Face à la société de consommation et à son ciment armé Milton Becerra défend et illustre la continuité de l'âge de pierre, il y a là de la magie et de l'exorcisme certes, mais surtout de l'amour et de l'espoir. De l'espoir dans l'Homme.

    

 

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Carrousel du Louvre

MILTON BECERRA

STAND A5

 >>> Vernissage Presse le Jeudi 24 Mars à partir de 14h <<<

 >>> Vernissage Public le Jeudi 24 Mars de 18h30 à 22h <<<

 

 

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MILTON BECERRA

ALE'YA

Design Graphique sur Peaux

 

   >>> Exposition du 26 Mars  au 23 Avril 2011 <<<

  >>> Vernissage le Samedi 26 Mars à partir de 14h <<<

 

 

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Métro Concorde, sortie Cambon. Parking : 38, rue du Mont Thabor 75001 PARIS.

 

 

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EXPOSICIÓN Conrado Pittari inaugura su primera individual en el país

 

 

EL NACIONAL - Sábado 19 de Marzo de 2011	Cultura/4

 

Cultura EXPOSICIÓN Conrado Pittari inaugura su primera individual en el país El Anexo Arte Contemporáneo "retransmite" Leonela La propuesta visual reivindica los dramáticos televisivos como patrimonio cultural de Venezuela   MARJORIE DELGADO AGUIRRE marjodelgado@gmail.com   El artista estudió y comenzó su trayectoria expositiva en Barcelona WILLIAM DUMONT Conrado Pittari se indigna cada vez que un venezolano reniega de la telenovela como recurso de exportación cultural. Lo turba la doble moral del que manda a no ver novelas, pero a la hora del culebrón está pegado frente a la pantalla y todavía tiene el tupé de mirar con malos ojos en los comerciales y no cambiar de canal. Esta inquietud se transformó en el inicio de una investigación visual que expone en su primera individual en Venezuela, específicamente en El Anexo Caracas Arte Contemporáneo. El dramático en cuestión es Leonela, una producción de RCTV protagonizada por Mayra Alejandra y Carlos Olivier que fue transmitida en 1984 y que, al tocar temas que eran tabú para entonces, causó de todo: sonrojos, lágrimas, censura oficial y pataletas en una sociedad empeñada en negarse a sí misma y con una capacidad particular de convertir al victimario en un héroe. Más allá de hacer memoria de una época histórica específica, a la que llegó luego de haber leído un texto crítico sobre la situación actual de la novela venezolana ­escrito por Leonardo Padrón­, a Conrado Pittari le interesa recuperar el significado de la telenovela como parte del patrimonio cultural de la nación. "Hoy en día, cuando las telenovelas venezolanas están en crisis por falta de presupuesto, entre otras razones, busco reivindicarlas como patrimonio nacional porque han sido una maquinaria de producción y reproducción de valores que, más allá de que sean buenos o malos, hablan del país y de lo que somos. Son una referencia a nuestra idiosincrasia y actualmente hay una retórica oficial que las excluye como discurso que también nos describe", indica el artista. El investigador Félix Suazo cita a José Ignacio Cabrujas para argumentar el punto de Pittari. En el libro Y Latinoamérica inventó la telenovela (Alfadil Ediciones, 2002), Cabrujas señala: "La telenovela es lo único importante que hemos hecho en materia de literatura, uso de los personajes, uso dramático. ¡Lo único que Latinoamérica le ha aportado al planeta entero!". La Leonela de Pittari no es una reproducción de la Leonela de la extinta RCTV. Es una transfigurada. El artista hace uso de formatos patrimoniales del arte como la pintura sin apegarse a una vacia literalidad, sino que la recodifica. Pittari captura una imagen de la novela en Youtube, la amplía y la pinta píxel por píxel. En la transmutación inversa de la imagen televisiva, que luego pasó a la computadora y finalmente al cuadro, el artista asocia la telenovela con escenas de la pintura clásica. Al hacer este proceso de traducción personal desmitifica, sin ningún prurito, y desmantela en plena galería el divorcio entre las artes y la cultura popular. El joven venezolano, que nunca vio la novela completa ­tenía apenas un año de edad cuando la transmitieron­, también utiliza el video como medio narrativo. En uno de ellos, la actriz Mariaca Semprún rehace parte del guión, con lo que pone en el presente un libreto del pasado. En un pequeño televisor la protagonista de Leonela abofetea a Carlos Olivier, pero al verlo es difícil pensar en la especificidad de los personajes. Sólo la bofetada, que uno siente como si se la dieran a uno, cuenta.